20.4.1 – ciclo I: ESPACIOS

+ info en www.avconica.org

el tercero y el séptimo

“La arquitectura a través de la lente cinematográfica. La fusión visual entre el tercer y el séptimo arte.”

Gracias aLinG por compartir con nosotros este maravilloso trabajo de Alex Roman que ilustra el arte de la arquitectura desde el punto de vista de la fotografía. Nos ha parecido precioso y técnicamente impecable.

web oficial: http://www.thirdseventh.com/

Un saludo cinéfilo,

CoZuK.

20 planos, 4 secuencias y 1 MacGuffin

+ info en www.avconica.org

03 – “Nostalgia”

SEFF’09 – “Singularidades de una chica rubia”

"Singularidad de una chica rubia" de Manoel de Oliveira

«Te cuento a ti, desconocida, lo que no cuento a un amigo»: así empieza la película, una narración dentro de una narración literaria (adaptación de la novela de Eça de Queiros, autor de "El crimen del padre Amaro" y que la película homenajea con una digresión en el centro del relato). Una ventana dentro de otra ventana, una puerta que se abre sobre otra puerta, un espejo que refleja una escalera: estos espacios improbables cuestionan el tiempo y los sentimientos de un protagonista que persigue el objeto de su deseo.

¿Cómo actualizar este objeto de deseo virtual, este cuadro en el cuadro, retrato de una chica rubia con abanico chino, dragón y plumas, incrustado en la realidad? Si el realismo de Queiros, influenciado por Emile Zola, se manifiesta en la crítica de una alta burguesía lusitana anclada en el siglo XIX (hay un paralelismo con la sociedad vienesa de "La pianista" de Michael Haneke), esa no parece ser la meta de Oliveira.

Puertas y ventanas ¿no son los artificios de un plan que permite al cineasta describir las trampas del imaginario? Oliveira realiza lo que Jean-Luc Godard llama la imagen/pensamiento, la imagen que enseña, revela antes de ser interpretada. Para Oliveira «la visión es subjetiva, viene de los ojos y del cerebro. Con un cuadro o un plano, se ve todo de un golpe: la imagen puede pararse y transformarse en un cuadro, mientras la palabra pasa en el tiempo».

Con ingenuidad, el protagonista realiza el objeto del deseo y nos dice: «Es con la realidad y el arte que empieza el amor». La realidad lo llevará a la ruina por una desconocida que, al final, abandonará en la esquina de una calle. En cuanto al arte, Oliveira busca la referencia valorizadora, una plusvalía cultural que, a partir del decorado y el modo de iluminación, representaría una pintura extremadamente codificada.

Memento

SEFF’09 – “La cinta blanca”

"La cinta blanca" de Michael Haneke

«Ninguna de mis películas son naturalistas. Siempre intento enseñar modelos que permiten comprender el sistema de cosas que estoy contando».

Como en "El tiempo del lobo", Haneke describe en "La cinta blanca" el naufragio de una civilización, explicitando aquí su génesis en la Europa del principio del siglo XX. Haneke se mete en el vientre fecundo de donde saldrá la bestia inmunda… Y se encuentra con unos niños inquietantes que forman un grupo, un cuerpo orgánico rubio y blanco que lleva dentro la civilización de la exterminación.

El modelo presentado plantea la pregunta: ¿De qué totalitarismo somos capaces aquí y ahora? «Mi objetivo principal era presentar a un grupo de niños a los cuales se inculcan valores considerados como absolutos y la manera en la cual interiorizan estas ideas. Si se considera como absoluto un principio o un ideal, ya sea político o religioso, se vuelve inhumano y conduce al terrorismo. Los niños de la película aplican exactamente estos ideales y castigan a los que no los comparten totalmente».

Días de nieve, primaveras… las estaciones pasan y los habitantes del pueblo siguen con sus relaciones morbosas y su dependencia al amo… lucha de clases sociales esbozada. Haneke mantiene la distancia: se queda detrás de la puerta, en el pasillo que lleva al despacho del predicador, personaje maléfico que nos recuerda "La noche del cazador" de Charles Laughton.

Haneke sugiere: no se trata de "educar" al espectador sino de «hacer sentir las cosas». Y por eso elige el blanco y negro: es lo que la memoria colectiva conoce de los eventos del principio del siglo XX, fotografías, revistas – mientras que a los siglos anteriores corresponde una representación pictórica coloreada. Retratos en un blanco y negro espléndido, que recuerdan a August Sander, fotografías en movimiento. Confía Haneke en una entrevista con Radio Libertaire:

«Odio las imágenes bonitas, especialmente cuando se está contando cosas serias. Es la gran mentira del cine en general».

Memento.

03 – 10 – Fomento de la Arquitectura (arquia documental)

SEFF’09 – “Les herbes folles”

"Les herbes folles" de Alain Resnais

Siguiendo unas malas hierbas crecidas en los intersticios de un camino, Resnais nos lleva hasta la puerta de un palomar (¿el inconsciente?). Los títulos de crédito aparecen de cada lado, “apajarados”, variación sobre el binomio: dos dentistas, dos policías, …actual y virtual, real e imaginario. Entramos en un teatro del absurdo, con un lenguaje desfasado, decisiones impulsivas, a veces sin sentido y desviando el curso de la narración. No estamos muy lejos de Beckett o Ionescu.

Como en "Mi tío de América", Alain Resnais indaga en lo extraño que se esconde en la mente humana, esas pulsiones irracionales que nos hacen parecer a las hierbas salvajes, tan vivaces que se infiltran por las placas de asfalto. «Nunca llegamos a conocer nuestras verdaderas pulsiones, nuestras verdaderas motivaciones» nos dice Resnais.

La película se presenta como una construcción poética que se sitúa entre el "vuelo" de un bolso y un vuelo en avión. Es el encuentro imprevisible de un hombre y una mujer. Él, aventurero del imaginario con sus emociones cinematográficas ("Los puentes de Toko-Ri" con William Holden) y su pasión por las hazañas de una pilota de los años 30. Ella, una Mrs Muir (¿homenaje a "El fantasma y la señora Muir" de Mankiewicz?). Resnais pinta un mundo de deseos con colores brillantes, coches amarillos, zapatos rojos. Es el recreo de la memoria, la vida como una novela: beso hollywoodiano con la música de la Twentieth Century Fox… "The End".

Para Alain Resnais, hasta la elección del cartel de Blutch se integra en esta construcción poética:

«el ideal, para mí, es que ni el cartel ni el trailer contengan imágenes de la película. Un cartel dibujado sugiere algo… hace soñar. ¿Que es esta facultad humana que consiste en tener interés por el imaginario? Es muy enigmático… Estoy impregnado de surrealismo».

Memento

SEFF’09 – Crónica 6/11/09

"Sweet Rush" de Andrzej Wajda

Sweet

Wajda mantiene su fuente de inspiración en la Segunda Guerra Mundial. Después del grito de rabia de "Katyn", el viejo maestro toma el tono de la confidencia. "Sweet Rush" es un homenaje a su amigo muerto, cámara de su equipo. Reflexión sobre la muerte, íntima y sobria, más cerca de los sentimientos de una tercera edad pesimista que de la frescura de un Bergman con "Fresas salvajes" o un Kiarostami con "El sabor de las cerezas".

Rush

Es en la utilización sutil de los rushes del rodaje de una película a partir de una obra literaria donde reside la fuerza del propósito de Wajda. Verdadera Cinta de Moebius entre la ficción y la realidad, desarrollada por una fabulosa Krystyna Janda ("El hombre de marmol" y "El hombre de hierro" de Wajda o "Mephisto" de István Szabó).

Su interpretación de tres papeles que contemplan la muerte responde a lo que representa la reflexión más profunda de "Sweet Rush": la profesión de actor. Este dúo Wajda-Janda puede enlazarse fácilmente con otro dúo memorable: John Cassavetes - Gena Rowlands en "Opening night".

02 – “El sol del membrillo”